VISITA 021/2009 MAYO

27-Mayo-2009

PALACIO DE MONTEMUZO - C/ Santiago, 34








RUBÉN ENCISO
“Bajo la estrella de mar”
21-mayo a 28-junio 2009

El autor:

Mi opinión: No. No es un error informático, no se han escabullido las imágenes ni se me ha olvidado hablar del autor, sencillamente parece que se haya evaporado. Imposible captar una foto de él o de su obra y muy difícil conocer su trayectoria personal o profesional. Si quiere privacidad, privacidad tiene. Me niego a copiar el mismo texto firmado por A. Enciso que figura en el folleto de la exposición y que está en todas las entradas de Internet. Ni el Ayuntamiento de Zaragoza en su pobre díptico de la muestra dice nada acerca del artista. Esa muestra está formada por un audiovisual, unos datos sobre países, paraísos fiscales y corrupción mundial y una serie de cuadros de idéntico formato, en técnica mixta, que poco transmiten, emocionan y por tanto, tampoco interesan. Parece ser que nacieron de la reflexión tras su estancia en Chad. Calificación: 4.

CENTRO JOAQUIN RONCAL. FUNDACIÓN CAI-ASC - C/ San Braulio, 5-7

MÓDULO DE PINTURA DEL CENTRO PENITENCIARIO DE ZUERA

"Pinceladas de libertad"

20-mayo a 30-mayo de 2009

Los autores: Edwin Arango, Marcelino Campa, Thierry Rodríguez, Luis Faure y Francisco José Pintado. La exposición acoge una selección de las obras más interesantes de un grupo de internos que cumplen condena en el C. P. de Zuera, participan en los diversos talleres ocupacionales de los módulos, tienen una dedicación casi exclusiva a la pintura, y que trabajando diversas técnicas pictóricas consiguen alcanzar y encontrar espacios de libertad tras los muros de la prisión. Esta muestra pretende acercar al ciudadano y a la sociedad el trabajo de estos internos y en general al orbe penitenciario, un mundo que cada vez se abre más al exterior, una realidad que debe de ser mejor entendida por la sociedad, y para que esta entienda que el arte puede ser un vehículo de integración social.

Mi opinión: se aprecia que alguno de ellos tiene escuela pictórica. Hay acuarelas, óleos y técnicas mixtas. Es meritorio el esfuerzo que han hecho y la obra conseguida. Los hay en pequeño y mediano formato, estos cuadros nos llevan a su realidad cotidiana reflejada en la pintura, en unos casos atormentada y en otros más calmada y amable. Calificación: 6.

SILVIA ZOTTA - Buenos Aires (Argentina) 1969
“Aburrido horno eléctrico metropolitano”
7-mayo a 30-mayo 2009

La autora: estudió en la Escuela Técnica Nacional de Cerámica, en el Instituto Superior de Cerámica Artística y en la Academia Nacional de Arte (escultura), todo ello en su Buenos Aires natal. En 1993 se trasladó a vivir a Italia. Tiene un amplio historial en cuanto a exposiciones individuales y colectivas, también premios ganados, el más importante, el que la catapultó al escenario internacional fue el italiano Gran Premio Faenza en 2005. Presenta los trabajos en varias formas: grandes murales en la pared, escultóricos árboles, instalación de platos en el suelo, pequeñas obras colgadas, la diversidad está servida.

Mi opinión: es refrescante ver esta exposición. Imposible aburrirse en ella, original, colorista, imaginativa, creativa, la artista domina el volumen y el tono produciendo unas composiciones que pueden colocarse en cualquier lugar de cualquier casa; eso es aproximar el arte a todo el mundo. Calificación: 8,5.

VISITA 020/2009 MAYO

20-Mayo-2009

TORREÓN FORTEA - C/ Torrenueva, 25

FERNANDO MALO ALCRUDO - Zaragoza (España) 1957

"Tócame"

12-mayo a 21-junio 2009

El autor: estudió en la Escuela Massana de Barcelona, en los veranos se acercó a la cerámica tradicional, al alfarero clásico con su torno, concretamente a Naval (Huesca). La lista de exposiciones en las que ha participado es larga, muy larga así como la de premios obtenidos y proyectos en los que ha participado. Esta muestra se llama, así la ha titulado el autor, “Tócame” y explica él mismo en su blog la ilusión con que la ha estado preparando durante los más de 9 meses transcurridos desde que le confirmaron la fecha de inauguración. Es una colección de obras basadas en la naturaleza, el paisaje aragonés, en lo más ancestral de los trabajos cerámicos de las antiguas civilizaciones, la tunecina le inspiró sobremanera, pero lo que le ha llevado a lograr el resultado final ha sido su ideología primigenia, origen al que acuden y recurren la mayoría de los creadores en algún momento de su vida artística. En esta colección que exhibe ha añadido a sus formas tradicionales, las de su obra característica, una suerte de experimento o hallazgo, ha incorporado asas y otros elementos llenos de sensualidad y buen hacer. Confiesa haber descubierto recientemente el wabi-sabi, término estético japonés que describe a objetos o ambientes caracterizados por su simpleza rústica, combinando el minimalismo con la calidez de los objetos de la naturaleza.

Mi opinión: los materiales que se utilizan en el arte de la cerámica son pobres si los comparamos con los empleados en pintura, por ejemplo. El agua, la tierra y las arcillas en sus diversos colores, conformadas y cocidas nos ofrecen las piezas que al salir del horno son siempre una sorpresa, la sorpresa que depara la acción del fuego sobre lo creado previamente. Es la hermosura de la sencillez. No queda claro si el título de la exposición hay que seguirlo al pie de la letra, es decir, si está permitido tocar las obras. Es indudable que sus formas invitan a ello pero la seguridad en las salas de exposiciones es tal que debería advertirse si el espectador está o no autorizado a disfrutar con el tacto del mismo modo que lo hace con la vista. Si por el contrario el tócame es sólo la fuente de inspiración del autor es un privilegio que no trasciende al visitante y es una lástima, la verdad. El Torreón Fortea es un lugar acogedor para todo tipo de trabajos pero en este caso hay que resaltar que se ha superado, el montaje es muy adecuado, la luz, la ubicación de las piezas; todo está decidido con exquisito gusto, sensibilidad y cariño hacia la obra. Calificación: 7,5.

VISITA 019/2009 MAYO

13-Mayo-2009

IBERCAJA-PATIO DE LA INFANTA - C/ San Ignacio de Loyola, 16

HERNÁN CORTÉS MORENO - Cádiz (España) 1953
"Cortés. El retrato como opción estética"
8-mayo a 21-junio 2009

El autor: estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes “Santa Isabel de Hungría” de Sevilla donde fue alumno de Antonio Agudo y completó su formación en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Viajó por Francia, Inglaterra e Italia para conocer obras de pintores clásicos y contemporáneos. Hernán Cortés basa su creación en un estudio de la historia y la realidad que le circunda. En su estudio de la luz explora desde el barroco más contenido a la claridad de la pintura mural romana y florentina; finalmente incorpora elementos tan actuales como el plano cinematográfico y el cómic, que otorgan contemporaneidad a su figuración. Los retratos de Cortés hay que inscribirlos dentro de la brillante historia de un género que desde el siglo XV hasta nuestros días no ha dejado de producir obras maestras.

Mi opinión: tiene nombre de conquistador y la mayor conquista es su trabajo, encuadrado en la pintura realista actual, es conocido fundamentalmente por sus retratos de personajes de la vida cultural, política, financiera, etc. Como muy bien han observado los críticos de arte que han escrito sobre su obra, al valor documental y conmemorativo que tiene todo retrato, añade siempre la calidad creadora que infunde vida a la imagen artística. Ha dedicado varios años al retrato de alguno de los personajes porque ha querido llegar al fondo del mismo, captar la esencia de su personalidad. En esta exposición hay alrededor de 30 obras, la mayoría retratos pero también algún delicado paisaje de pequeño formato, ejecutadas con distintas técnicas que van desde los dibujos a lápiz o a óleo, pasando por el acrílico, hasta el carbón, el carboncillo o la acuarela y utilizando además una amplia variedad de soportes como el lienzo, el papel, el cartón, el tablex o incluso la madera. Conjuga el clasicismo del retrato con un toque de modernidad que se vislumbra en sus fondos, en la posición del retratado, en la ausencia de elementos superfluos que despisten la atención del observador. Es curiosa la postura de los retratados, el mayor número de ellos mira hacia la derecha del espectador; algo interesante debe haber allí… Calificación: 9.

CAJADUERO - Pl/ Aragón, 5

"Miradas"
Colección Fundación Jorge Alió
7-mayo a 14-junio 2009

Luis Cebaquera-2004

Iris Bonora-2008

Vicente Bayarri-2002


Carmen Valera-2008


David Trujillo-2006

Sandra Márquez-2008

Víctor López-2006

La exposición: junto a Cajaduero la Fundación Jorge Alió para la Prevención de la Ceguera presenta esta muestra cuyas obras provienen de los Certámenes Nacionales de Artes Plásticas que bianualmente convoca con el motivo “La mirada y la visión” y en los que participan una buen número de artistas formados en las Facultades y Escuelas de Bellas Artes de nuestro país con el fin de proporcionar una plataforma de encuentro entre la sociedad y la visión para estimular el conocimiento de la visión y la prevención de la ceguera.

Mi opinión: cuando se reúnen varios artistas en torno a un tema único el resultado no es uniforme dada la calidad de las obras, dispar en su presentación y en su consecución. Hay más factores que la mera muestra de los trabajos lo que engrandece o no a una exposición y en esta hay que decir, en honor a la verdad que el catálogo, del que se han sacado las imágenes precedentes, es estupendo. Calificación: 6.

VISITA 018/2009 MAYO

9-Mayo-2009

MUSEO OTEIZA MUSEOA – C/ de la Cuesta, 7 - Alzuza (Navarra)

1949

1957

1957

1958

1960 Grupo GAUR: R. Ruiz Balerdi, R. Mendiburu, J. Oteiza, R. Puig, E. Chillida, N. Basterretxea, J. A. Sistiaga

1969

1970

1972

1972

JORGE OTEIZA EMBIL – Orio (Guipúzcoa) España 1908 – 2003 San Sebastián (España)

El autor: es un artista fundamental para el pueblo vasco. Desde sus comienzos en los años 20 estuvo ligado a las vanguardias creativas. Sus primeras obras están inspiradas en el cubismo y en los ancestros primitivos del arte, en ellos busca su camino, son bloques de los que saca las figuras. En 1933 viaja a Argentina y recorre algunos países sudamericanos, vuelve a España en 1948 y se instala en Bilbao. En 1950 se le adjudica por concurso toda la obra de estatuaria para la Basílica de Aranzazu (Guipúzcoa), el proyecto se hace en el 53, en el 54 es prohibido por la Iglesia (los apóstoles estuvieron tirados en la cuneta de la carretera durante mucho tiempo) y no sería hasta 1969 cuando se ve realizado y acabado. Participó en la IV Bienal de Sao Paulo (Brasil) en 1957 haciendo de mecenas y costeándole el viaje Juan Huarte; se las ingenia con astucia para llevar mucha más obra de la que la organización admitía (hacer lo que él quería) y obtiene el Premio Internacional de Escultura. Es autor del Monumento al Aita Donostia (José Gonzalo Zulaika) ubicado en el alto de Agiña, en Lesaca (Navarra). Junto a Néstor Barrenetxea hace exposiciones y colaboran en varios trabajos. Escribe poemas de gran belleza y calado y busca, sigue buscando y experimentando. Mantiene una amistad complicada con Eduardo Chillida dado el fuerte carácter de ambos que termina en ruptura. Oteiza es un trabajador incansable, aprovecha todos los materiales sin desperdiciar nada, cualquier cosa la reutiliza pero está lejos del arte povera. La construcción del vacío significa para él protección, curación de la angustia, por eso gran parte de su obra obedece al vaciado de formas redondas, ya sean esferas o cilindros imaginarios de los que arranca. Ocurre lo mismo con sus cajas abiertas que suponen el envoltorio de la nada. Sus cajas metafísicas representan el embalaje para el alma, cuando halla tal recipiente deja de experimentar y hasta casi de crear.

Mi opinión: toda su obra está compuesta por series realizadas de acuerdo con el avance de sus investigaciones conforme a la figura humana, el espacio, el vacío. Algunas de las series más importantes son los grupos: Hyperboloides y Condensadores de luz, Apertura de poliedros y desocupación cúbica, Desocupación de la esfera, Construcciones vacías y las obras que forman el Laboratorio experimental. Todas las esculturas son hermosas, tanto las macizas como las huecas, las del principio y las del final. Los materiales que a lo largo de su vida empleó el artista son variados, destacan el bronce, la madera, el alabastro, la escayola, la chapa de cinc, etc. pero lo que manejó con inusual destreza fue la luz y el vacío. Inspirado en la obra de Mondrian dio volumen, la 3ª dimensión, a los cuadros del pintor holandés. También el escultor inglés Henry Moore influyó en el trabajo de Oteiza, sobre todo en lo referente a la figura femenina. Fuente de inspiración así mismo fue Kazimir Malévich, creador del movimiento artístico llamado suprematismo o el mundo de la no representación centrado en las formas geométricas fundamentales y derivado del cubismo. No sólo es importante la obra del autor, es trascendente el lugar donde ha sido ubicada: un edificio diseñado por el arquitecto Sáenz de Oiza, un espacio idóneo para albergar en perfecta sintonía las esculturas de Jorge Oteiza. Calificación: 9,5.

VISITA 017/2009 MAYO

6-Mayo-2009

CASA DE LA MUJER Sala "JUANA FRANCÉS" - C/ D. Juan de Aragón, 2

"Conectadas"

22-abril a 30-mayo 2009

LOUISA HOLECZ - Londres (Reino Unido) 1971

La autora: Diplomada en Arte y Diseño por el Harrow Collage of Higher Education. Premio Extraordinario fin de Carrera del West Surrey Collage of Art and Design (B.A.-Hons Fine Art). De padre húngaro y madre portuguesa representa el cuerpo como entidad política y social para explorar el género y las relaciones interpersonales. Contempla el mundo con la mirada curiosa de una niña y así enlaza imágenes de la realidad con el simbolismo para desvelar sus propias experiencias. Además de a sus lienzos se dedica profesionalmente al muralismo, especializada en trampantojo y murales comerciales.

Mi opinión: 2 obras, técnica mixta sobre lienzo, tan solo hay en la exposición; a través de ellas puede verse su gusto por observar, por atrapar otras culturas, las que ella ha vivido por nacimiento, orígenes y ahora mismo por su establecimiento en Zaragoza donde vive desde el año 2.000. Calificación: 6,5.

SYLVIA PENNINGS - Ámsterdam (Holanda) 1961
"Recorridos"

La autora: formación en Bellas Artes en 2 prestigiosas academias de arte de Ámsterdam. Numerosas exposiciones individuales y colectivas avalan el interés que despierta su obra, la que ella denominada como una cartografía, cartografía de miradas por el mundo y por la vida. Caminos entrecruzados, puntos de encuentro, y también de desencuentros, pintados ágiles y vibrantes de color, que en ningún momento temen esconder la confusión que enreda los gestos y ensucia la superficie de interferencias, como las nubes repentinas que cubren el paisaje habitado por la huella de lo que fue, pudo haber sido o será.

Mi opinión: el color, las formas, el ir y venir, más vueltas, más simbolismo, más color... Todo ello entraña la obra de la artista. Es un mundo revuelto y sacudido, según sus propias palabras, cuyos fragmentos componen un plano de los momentos vividos. Los 2 cuadros que se presentan están realizados en acrílico sobre tela y son de gran formato. Calificación: 7.

ELISABET RAMOS PORTAS - Barcelona (España) 1962

La autora: Licenciada en Bellas Artes por la Universidad San Jorge de Barcelona, realiza estudios de cerámica en la Escuela Industrial de la misma ciudad y participa en numerosos cursos y talleres con reconocidos artistas nacionales e internacionales. Busca en la Naturaleza formas esenciales que la conecten con lo vital en tiempos paralelos y discontinuos. Las obras crecen pieza sobre pieza, se elevan en una secuencia que podría no tener fin. Dice la artista “creo que mi trabajo es básicamente terapéutico, soy testigo del nacimiento de formas que me alivian, voy creando esculturas que me transportan a un mundo sereno y armónico”. En la actualidad compagina su actividad creadora con la docente dando clases de plástica en el estudio-taller “TOCATIERRA espacio artístico”.

Mi opinión: 2 de las obras obedecen a formas primitivas realizadas en gres y esmalte, como fósiles de anatomías extrañas que crecen progresivamente en equilibrio de apariencia inestable pero seguro, de abajo arriba; hay una tercera escultura elaborada en barro que nos recuerda a las mujeres-jirafa tailandesas pero sin el sufrimiento que esa práctica conlleva. Calificación: 6,5.

SARAH SHACKLETON - Nueva Zelanda (Oceanía) 1962

La autora: Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Canterbury (Nueva Zelanda) reflexiona a través de la figura humana sobre la soledad y el aislamiento, sentimientos que ella conoce a raíz de la distancia de sus orígenes y de su familia y el contacto con una nueva cultura que le resulta, al mismo tiempo, propia y ajena.

Mi opinión: aparentemente las 2 obras de la autora poco tienen que ver entre sí pero ella defiende que tras la abstracción llegó a la figura, si lo de antes hablaba de la esencia de los humanos, de la semilla primordial como algo puro enlazando conexiones entre al gente, las últimas obras miran directamente a la gente con todas sus variaciones y diferencias. Personalmente prefiero la obra “A world away”. Calificación: 7.